Familia de Frida

                                                 

¡Buen día seguidores!

                                                                  Autorretrato -1948

Este es el único cuadro de Frida que pintó este año y el segundo autorretrato que aparece con el tocado de tehuana. Está tensa, rígida, sombría.

Fue un encargo del dentista y amigo  Dr. Samuel Fastlicht. En una carta datada en enero de 1948 justifica su tardanza en la entrega del cuadro y le dice:

“Este estado de ánimo se refleja en mi autorretrato… Quizás no te gustará en absoluto…Me gusta porque es la expresión exacta de mis emociones…”

Acá corro con ventaja. No sólo tengo la pintura sino también sus palabras. No queda mucho por agregar: Frida es dolor y sufrimiento, es temple y valentía, está resignada a vivir así hasta el final…

                                              Retrato de la familia de Frida – 1950-1954

Este cuadro se empezó en los años 40 y nunca fue terminado. Avanzó mucho en el largo periodo que estuvo internada en 1950. Fue sometida a siete operaciones en nueve meses.

En la parte superior están sus abuelos, en el centro sus padres y en la fila inferior aparecen sus hermanas mayores primero: Matilde y Adriana, Frida en el centro y Cristina al lado. Después se ven tres figuras inconclusas que hasta el día de hoy son un misterio.

Algunos especialistas en arte aseguran que se trata de los hijos de Cristina: Isolda y Antonio. Otros creen que son las hermanastras de Frida: María Luisa y Margarita. (Me inclino por la segunda opción).Y la figura esbozada no está para nada identificable pero estudios deducen que se trata de su hermano mayor que murió pocos días después de nacer. El feto dibujado al lado de Frida podría simbolizar los hijos que nunca tuvo.

Cuando su hermana mayor Matilde falleció, interrumpió la pintura para comenzar con otra: 

                                                         Retrato de mi padre – 1951

Frida retrata a su padre  diez años después de su muerte pero luce joven y apuesto. Además  coloreó su pintura con tonos marrones asemejando las fotos antiguas de color sepia que su padre tomaba.

La pintura lleva una dedicatoria en la zona inferior, como se acostumbra en los exvotos: “Pinté a mi padre, Wilhem Kahlo, de origen húngaro-alemán, artista fotógrafo de profesión, de carácter generoso, inteligente y fino; valiente por que padeció durante sesenta años epilepsia, pero jamás dejó de trabajar y luchar contra Hitler. Con adoración, su hija, Frida Kahlo.”

¡Buen día seguidores!

La decisión de realizar un blog tuvo un comienzo muy particular. Tenía una necesidad personal de hacer algo que me reconforte, que me haga perder la noción del tiempo, que me entretenga, que me enseñe, que me sienta realmente bien con lo que estaba haciendo. Me senté en mi escritorio, y empezaron a caer ideas. ¿Y si creo un blog? Tengo que ponerle un nombre, de qué voy a hablar. No sé todavía porqué pero apareció en mi mente el título: Sensaciones Maravillosas. El nombre estaba disponible, era ese, ninguna duda. ¿Y ahora qué? Había que decidir que escribir. Y decidí, empecé con Frida, porque era una sensación maravillosa que tenia latente todavía, había vuelto de México en enero y así revivía hermosos momentos vividos.

Después me di ciertos gustos personales: hablar de Mariquita que siempre estuvo en mi  corazón, escribir sobre Chopin que representa de alguna manera mi adolescencia y tras no encontrar a alguien más por el momento,  me deleité contando historias, relatos, comentaros interesantes. Pero bueno, acá todo se va dando…

La primera sensación pegó fuerte en los seguidores y en mí. Así que por ahora, seguiré con Frida, por lo menos mientras me siga provocando tanto placer inmiscuirme en su vida y en su obra.

                                                   Autorretrato con pelo suelto - 1947

No es común ver autorretratos de Frida con el pelo suelto. Acá expone su cabello, lo exhibe, lo libera y escribe una frase al pie de la pintura:

“Aquí me pinté yo, Frida Kahlo, con la imagen del espejo. Tengo 37 años y es el mes de julio de mil novecientos cuarenta y siete. En Coyoacán, México, el sitio donde nací.”

Se la ve delgada pero serena a pesar de su dolor que no deja de ser reflejado, ya que volvía de Nueva York de haberse sometido a una fusión espinal, intervención que Frida denominó: “el principio del fin”.

La actriz Salma Hayek, que protagonizó su vida en la película Frida del 2003, se atrevió a reproducir este cuadro:

         “Es mi turno de compartir mi arte. Me inspiré en Frida y pinté esto”

¡Buen día seguidores!

Hoy 25 de mayo, fecha de importancia para los argentinos, ya que hace 206 años se producía la revolución de Mayo. Lo mío no es tan pretencioso, pero hace tres meses empezaba con esta experiencia que celebro día a día. Llegué a las 3000 visitas y ya son 25 los países que me leen….más que satisfecha.

                                                            Sin esperanza – 1945

La obra Sin Esperanza se considera una de las pinturas más perturbadoras y conmovedoras de Frida. Alguna vez dijo:  “Espero alegre la salida y espero no volver jamás”

Se la ve acostada en una cama, donde pasó gran parte de su vida, limitada en sus movimientos, en un paisaje absolutamente rudo y estéril, con una cornucopia de carne y varios peces en un embudo suspendido encima de su boca.

Frida se encontraba muy delgada, con total falta de apetito, sometida a operaciones continuas, su medico el doctor Eloesser, le recetó reposo absoluto y recibir algo de alimento  cada dos horas para forzar su recuperación. Eso es justamente lo que veo en esta pintura: ella imposibilitada de manejar la situación, forzada a comer lo que baja del embudo, nada agradable, a pesar de que hay una calavera de azúcar.

La estructura de madera que sostenía sus lienzos ahora sostiene un embudo que la alimenta continuamente. Sostuvo su arte, sostuvo su comida, sostuvo su vida..

Vamos a analizarla en detalle:

Frida está llorando; sólo quedan expuestos  su cabeza y los hombros. Se sabe que esta época Frida llevaba en forma permanente su chaleco ortopédico. Está sufriendo…

A pesar de todo, siguen las contradicciones en sus pinturas. El embudo usado para alimentarla contiene una mezcla poco agradable de comida cruda. Sobre esto, hay una calavera de azúcar, comunes en el día de los muertos, mientras que el azúcar hace alusión a la vida.  Sin esperanzas, con esperanzas…

El escenario del paisaje es un desierto reseco y ha sido interpretado como una referencia a la esterilidad de la artista, ya que debido al accidente sufrido, quedó imposibilitada de tener hijos.

La luna y el sol que se ven en los extremos, se puede interpretar como que su dolor es constante, día y noche…

La colcha es una especie de sudario y está adornada con unos  curiosos diseños. En su libro Frida, una biografía de Frida Khalo (1983) la historiadora de arte estadounidense Hayden Herrera proponía que las formas circulares son células y óvulos sin fecundar y las interpretaba en oposición a las imágenes del Sol y la Luna presentes en el cuadro, el mundo microscópico  frente al Sistema Solar.

En el reverso del cuadro Frida colocó una inscripción que da nombre al cuadro :
"A mí no me queda ya ni la menor esperanza….Todo se mueve al compás de lo que encierra la panza." 

¡Buen día seguidores!

“Fuimos grandes amigas y siempre fue encantadora conmigo, Diego nos presentó. La primera vez que nos vimos, naturalmente, Diego le dijo que con la única mujer que la engañaría sería conmigo, lo que nunca ocurrió, por supuesto. Aunque parezca extraño a quienes no tuvieron el placer de conocerla, Frida decía que era de lo más normal que su marido me adorara. Era ella toda bondad. En su corazón no había sitio para los celos. Amaba con ternura a Diego y veía en él a un ser sobrenatural, digno de ser amado y admirado tanto con Diego la amaba y la admiraba a ella. Diego admiraba mucho la pintura de Frida, que a mí siempre me pareció excepcional”. 

                                                                                                             María Félix – actriz mexicana.

Era amiga de sus amigos…

Eduardo Morillo Safa, ingeniero agrónomo empleado por el servicio Diplomático, fue amigo de Frida y coleccionista de su arte. En 1944, le encargó retratar a toda su familia: madre, esposa, hijo, dos hijas y él mismo. 

Retrato de Eduardo Morillo Safa                      Retrato de Alicia y Eduardo Safa

Retrato de Lupita Morillo Safa                                Retrato de Mariana Morillo Safa 

             

 

                                                      Retrato de Doña Rosita Morillo

Sus retratos son en general menos intensos que sus autorretratos, pero en el de Doña Rosita, madre de Eduardo,obtiene un resultado inigualable. Logra imponer una naturalidad abrumadora. Es una de las obras más realista de Frida y fue una de sus favoritas.

¡Buen día seguidores!

                                 "Autorretrato con collar de espinas" - Frida Kahlo 1940

Partamos de un dato fundamental,  más de 50 pinturas de toda su obra son autorretratos.

Aquí, considerando la fecha, refleja nuevamente el profundo dolor que siente por el divorcio con Diego Rivera en 1939. En la mayoría de sus cuadros se pinta a sí misma sin dejar de mostrar su largo sufrimiento, ya sea por sus dolores físicos como sentimentales.

Aquí se la ve  de frente con una corona de espinas sobre su pecho en forma de collar. No habría mucho que explicar sobre esta imagen: su rostro centrado en la pintura realza su presencia  como una mártir. Está claro su dolor cuando se ven las espinas hundiéndose en el cuello.

Del collar cuelga un colibrí muerto, sus alas extendidas imitan  las cejas de Frida. Según la tradición mexicana, los colibríes representan buena suerte en amores. Está caído, vencido, muerto… ¿Es una imagen irónica, es un deseo…?

Su fuerte carga simbólica hace referencia tanto al cristianismo como a la cultura amerindia. Enmarca esta figura los colores vivos de las hojas expresando su fascinación por la naturaleza. Las libélulas, emblemas de resurrección, simbolizan una esperanza  en su vida.

Sobre su hombro izquierdo hay un gato negro. Tomado como símbolo occidental de la mala suerte, mira amenazante el “amor” de Frida.

En su hombro derecho, está su mono, mascota que le regaló Diego Rivera. Hay versiones que lo identifican como el diablo y la lujuria. Otra interpretación válida en este caso, podría estar representando el hijo que nunca pudo tener.

Como colofón de la entrada de hoy, compartiré con ustedes un obsequio muy original, que recibí para mi cumpleaños de parte de mi consuegra Toly. Se trata de una horma de zapato pintada por alguien que desconozco pero que admiro realmente su trabajo…

¡Disfrútenlo!

¡Buen día seguidores!

Y sí, como dice mi amado esposo: soy fácilmente inducible y según mi consuegra Toly, me gusta tanto hacer esto porque obtengo  recompensa inmediata… y por reiterados seguidores que piden no abandone a Frida, le dedicaré desde hoy hasta el 25 de mayo.

¡¡¡Se lo merece!!!

¡Gracias a todos los que leen mi blog! Recibí elogios de personas impensadas, de países increíbles, y por todos los temas que abordé. Mil gracias, me llenan el alma.

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En mayo  justamente, pero de 1943, las obras de Frida se muestran en la exposición de “Artistas Mexicanos” en el centro de Arte Mexicano-británico en Nueva York.

“Las Dos Fridas”, “Lo que el agua me dio” y “Autorretrato con collar de espinas” se exponen en el Museo de Arte de Filadelfia en la muestra “Arte mexicano hoy”.

Este autorretrato, lo completa  Frida poco después de su divorcio de Diego Rivera en 1939. Quedan plasmadas sus dos diferentes personalidades, donde refleja las emociones que rodearon su crisis marital.

La Frida vestida de tehuana es la admirada por Diego. Sostiene en su mano izquierda un amuleto con el rostro de Diego niño. Su corazón está entero, sin grietas, sin lastimaduras.

Ésta es la Frida que Diego amó y salió ilesa…

La de la izquierda, luce como una dama victoriana, con un vestido de boda de encaje blanco; es la abandonada por Diego. Su corazón está roto. Del amuleto sale una vena que viaja a través de los dos corazones y se corta por una tijera quirúrgica, sangra la herida.

Ésta es la Frida que Diego dañó y salió damnificada…

El cielo tormentoso completa el cuadro: caos. Las manos se entrelazan mostrando paradójicamente que Frida no tiene compañía, está sola…

“Lo que el agua me dio” o “Lo que vi en el agua”, no tiene una imagen central dominante.

Juega con su pasado (están sus padres) y su presente (el pie derecho sangra, pertenece a la pierna enferma), vida y muerte, resignación y pérdida.

Noten que en un ángulo reproduce a dos mujeres desnudas, figura que pertenece a otra obra de Frida: Dos desnudos en el bosque

Es un trabajo simbólico, y Frida se encuentra en el medio de la pintura ahogada en sus imaginaciones.

Hablando con Julien Levy,  comerciante de arte y propietario de Julien Levy Gallery en la ciudad de Nueva York , Frida describió su cuadro:

                                 “Es una imagen del tiempo que va pasando… “

¡Buen día seguidores!

En los años 70 Lladró gana el mercado norteamericano y cambia el logotipo buscando una representación más adecuada entre la ciencia y el arte, bases de su creación, con la unión de un antiguo símbolo químico (la cruz satánica es una variación del símbolo alquímico del azufre, que representa el fuego y azufre) y un campanillo, flor frecuente en el lugar de origen de la empresa.

                                                  Lladró se imprime bajo este grafismo

En esta década se lanza las esculturas de Gres, material que se caracteriza por su tonalidad terrosa y su acabado mate. Éstas no se pintan sino que se les aplican distintas capas de esmaltes que tras la cocción dan lugar a variados efectos cromáticos.

                                                    - Aguadora con dos cántaros - 

También en los 70 surge la línea de los jarrones, un excelente medio para que los pintores de Lladró reflejen su maestría en la recreación de aves y motivos florales de inspiración oriental. 

En 1974 se crean las primeras esculturas de la colección Élite, que engloba las esculturas de mayor complejidad técnica, generalmente creaciones de gran tamaño que gozan de la más alta consideración de los hermanos Lladró.

                                                                                    

En el plano creativo, en 1982 se presenta uno de los grandes hitos de la marca, Puesto de flores, una pieza con cientos de flores que da lugar a una composición llena de gracia y frescura con gran valor artístico.

Las flores siempre han tenido un significado muy importante para Lladró, ya que su elaboración requiere un alto grado de maestría.

Un grupo de artistas se dedica en exclusiva a esta actividad, elaborando pétalo a pétalo este elemento característico de las creaciones Lladró.

En 1985 nace la Sociedad de Coleccionistas, que reunió a lo largo de quince años a más de cien mil amantes de la porcelana de arte y cuya primera escultura anual fue Payasito con perritos.

¡Buen día seguidores!

Y tenía que llegar el día que hable de mi sensación maravillosa de coleccionar figurillas de porcelana Lladró. Elegirlas, buscarlas, conseguirlas, ubicarlas y apreciarlas…

                                                         Valenciana con cántaro - 1957

En los años 50 los hermanos Lladró, Juan, José y Vicente comienzan una aventura que se convertiría en una gran empresa. Instalan en su casa natal en Almássera, Valencia, un horno moruno mientras trabajaban en una fábrica de azulejos y vajillas.

A mediados de esta década, empiezan a realizar esculturas en las que se puede apreciar una clara influencia de las tendencias del setecientos. Estas piezas evocan las obras de las manufacturas de porcelana del pasado, como Meissen, Sèvres o Capodimonte.

Juan, José y Vicente deciden dedicarse exclusivamente a sus propias obras y trasladan su pequeña empresa a una nave en la población vecina de Tavernes Blanques, puesto que el taller familiar se ha quedado pequeño. 

La demanda empieza a crecer a pasos  agigantados, sorprendiendo y superando todas las expectativas. Así se profundiza el compromiso introduciendo innovaciones no sólo en el diseño sino en las técnicas de cocción,  consiguiendo reducir la cochura de tres etapas a una. La mono cocción es un método precursor que permite obtener el acabado cristalino y las tonalidades pastel propias de las obras Lladró.

Todas las piezas de Lladró tienen un logo que identifica su autenticidad, pero claramente no siempre fue el mismo.

Se agregan a la empresa escultores, químicos y decoradores y es aquí donde deciden incorporar  un logotipo a todas sus figuras. 

Junto a la leyenda “Porcelanas Lladró” reproducen una obra maestra de la cultura griega, la Victoria de Samotracia, asociando su apellido al ideal del arte clásico. 

 A  finales de esta década, Lladró abre una tienda en Valencia a la que seguirán dos más, en pocos años.

En los 60 se incorpora la palabra "Spain" al logotipo de Lladró como claro indicador de la vocación exportadora de la empresa. 

En 1962 crean una Escuela de Formación Profesional en el seno de la compañía, con el objetivo de transmitir la experiencia y la esencia del espíritu creativo de los hermanos Lladró.

En 1967 se inicia la construcción de La Ciudad de la Porcelana, un área en la que junto a edificios de fábricas y oficinas se ubican infraestructuras deportivas para el disfrute de los trabajadores.

El 13 de octubre de 1969 se inaugura este novedoso complejo, donde llevan a cabo una medida pionera, al ofrecer puestos de trabajo en su plantilla a personas con minusvalías, dando muestra de su preocupación por fomentar la integración social y laboral.

Triste Arlequín (1969), pieza que pertenece al escultor Fulgencio García (como todas las expuestas en esta entrada),  marca un punto de inflexión creativo en la evolución artística de Lladró. Las líneas estilizadas de la figura y su aire romántico caracterizarán durante años el estilo Lladró, apreciado en todo el mundo.

 

Triste Arlequín -1969

        Pastorcita con cordero - 1970                                   La fuente cántaro suelo - 1974          

                                                            Pastor con cabra - 1970

Curiosidades 5

¡Buen día seguidores!       

¿Saben de dónde vienen las siguientes expresiones?

DAR EN EL CLAVO: Acertar.

En la Antigüedad, existía un juego infantil llamado "hito", que consistía en fijar un vástago o un gran clavo a cierta distancia de los participantes quienes, desde su lugar, arrojaban unos tejos anillados de hierro, de manera que el éxito en el juego lo lograban quienes conseguían acertar con el aro en el hito. 
Y como el hito solía ser de hierro -por lo general, se trataba de un clavo- la expresión dar en el clavo vino a significar lo mismo. 

CARGAR CON EL MUERTO

 En varios territorios de la época medieval existía una ley que dictaba que cuando no se podía hallar al asesino de un cadáver encontrado, los pobladores del pueblo al que pertenecía dicha persona debían pagar una multa conjunta. Como a nadie, sea la época que sea, le gusta pagar impuestos… los pobladores al encontrar un cadáver se apuraban a cargarlo, y de común acuerdo, transportarlo y arrojarlo en un poblado vecino para salvarse de la multa.

PONER LAS MANOS EN EL FUEGO

 En los antiguos pueblos paganos de la Germania existía la costumbre de realizar juicios ante los Dioses cuando surgía un litigio entre dos personas. Una de las formas más comunes de ver si ésta persona estaba siendo sincera era ponerle un fierro caliente en sus manos, o alguna otra parte del cuerpo. Si la persona salía corriendo significaba ser culpable.

ESTAR EN BABIA: estar ausente o distraído

Babia es una región de España a la que durante la Edad Media los reyes de León y Asturias se retiraban a descansar. 

VALE UNA BICOCA: es muy barato

De la población italiana Bicoca, donde el emperador Carlos V libró una batalla contra Francisco I de Francia en 1522. La victoria fue tan fácil para los españoles que la palabra bicoca pasó al diccionario como sinónimo de algo de fácil obtención y de poco valor.

TALÓN DE AQUILES ¿Por qué se llama así a un punto vulnerable?.

La diosa Tetis bañó a su hijo Aquiles en la laguna Estigia, con lo que consiguió que fuera invulnerable, excepto en el talón por donde lo sujetaba.

TÍO  SAM 

¿De dónde proviene el TIO SAM, símbolo estadounidense, reconocido por el Congreso de los EEUU en 1961?. En 1812, durante la 2ª guerra entre los EEUU y Gran Bretaña, Samuel Wilson, un inspector que aprovisionaba de carne al ejército, imprimió en los barriles de salazón las iniciales U.S. (United States) En broma, los soldados lo interpretaron como  Uncle Sam.

 

TENER VISTA DE LINCE

Linceo, héroe de la mitología griega tenía una vista prodigiosa. Incluso podía ver a través de los objetos.

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Y para terminar, algunos datos curiosos interesantes:

    *Los koalas pueden vivir toda su vida sin tomar agua. 

    *Las Vegas es el punto más luminoso desde el universo. 

    * En 1694 los jueces se vistieron de negro para llorar la muerte de la reina María II y han permanecido así desde entonces.

¿Por qué la @?

En la  Edad Media, la @ se usaba como una abreviatura de la preposición "ad" (en). En los primeros sistemas de correo electrónico @ se utilizó por varios motivos: porque era un signo muy reconocible, porque ya se usaba en la informática y porque estaba en los conjuntos básicos de caracteres.  Así "fulano@acme.com"  se lee "Fulano en la compañía acme". Jeje… apreciación simpática.